Io e Annie | Recensione | Unpolitical Reviews

Io e Annie si colloca, nella carriera di Woody Allen, in quella fase di transizione che porta il regista newyorkese dalle commedie demenziali (Amore e guerra, 1975) al dramma ironico e sofisticato di stampo più intellettuale (Manhattan, 1979). Fra i più grandi successi di critica e di pubblico di Allen, con ben quattro premi Oscar, la pellicola può essere una summa di quegli elementi alleniani che ne marcavano, almeno fino al 2000, lo stile: la frammentazione della sintassi filmica, per cui è dato allo spettatore di ricostruire il quadro generale della narrazione; l'umorismo verbale colto e citazionista; la rottura della quarta parete, strettamente correlata alla pratica psicanalitica; la regia semplice a favore della complessità di significati dialogici.

Sono appunto i dialoghi, e la sceneggiatura nel complesso, la forza propulsiva del film. L'assoluta e banale semplicità del soggetto viene viene superata dalla ricchezza di situazioni, umoristiche e sociali, presentate attraverso le sagaci battute di Allen. Costruita come un grande monologo interiore, la creazione dei dialoghi rappresenta, per quanto fortemente introspettiva, una forte denotazione realistica.

Il lavoro di montaggio risente sicuramente dell'arretratezza di tecnica del tempo, con stacchi frequenti e frenetici, risultano oramai tecnicamente demodè.

Anche la metà-cinematografia, in pieno stile New Hollywood, è di supporto: il cinema, sembra dirci Allen, è come la psicanalisi un mezzo per sognare l'animo e le relazioni umane, fra passato e presente. Così diventa possibile, in una delle scene più sperimentali del film, ascoltare i dialoghi fra Allen e Keaton e leggere in sottotitoli i loro pensieri reconditi e inespressi.

A incarnare quelle che, nella scrittura di Allen, sono due vere forze cosmiche del disagio postmoderno, Allen e una Keaton da Oscar.